LA-MEMORIA-DELL'ANTICO

LA MEMORIA DELL’ANTICO

LA-MEMORIA-DELL'ANTICO

 

I gioielli ma anche gli oggetti d’arredo, le auto, i vestiti e perfino le caffettiere come tutto ciò che acquistiamo hanno sempre avuto un valore simbolico. La loro essenza era la rappresentazione di ruoli sociali ben definiti e riconoscibili. Un po’ per qualsiasi cosa ma per la casa e ancor più per i gioielli le simbologie si sprecavano… Potere e sottomissione, affiliazione, appartenenza, onore, forza, coraggio, saggezza, fecondità, ovviamente ricchezza, religiosità, devozione, trasgressione…
Bei tempi! (…o brutti, fate voi)
In quest’epoca senza dei, in cui il tempo e i ruoli scorrono liquidi, in cui la struttura della famiglia e delle ricorrenze ad essa legate lasciano il tempo che trovano, gli oggetti in cui ci identificavamo non rappresentano quasi più nulla. Sono diventati perfino inadeguati a mostrare l’ovvio: la ricchezza, il ruolo sociale, il potere.
In questi anni, fatti di giochi senza senso, guardiamo con nostalgia ai simboli e ai valori che solo cinquant’anni fa regolavano ancora le nostre relazioni.
Non si stava meglio quando si stava peggio. Certo che però ci piace giocherellare ancora con le insegne che un tempo rappresentavano ruoli e valori carichi di emozioni, indiscutibili immagini di un mondo sparito con la Coca–cola e i pop–corn.
Ci riferiamo tutti alla memoria dell’antico come ad un ultimo baluardo contro la perdita di senso.
Fare design oggi non può prescindere dalla storia, dal prendere a prestito forme simboliche che si trasfigurano in sberleffi ironici o in evocazioni romantiche, in giochi colti o semplici copia–incolla di decorazioni, disegni e immagini di tempi che attraverso le nebbie della memoria ci rassicurano.
Pensando all’opera di Alessandro Mendini che ci ha lasciati da poco e insieme a lui a tutti i maestri del moderno val la pena ricordare come la memoria del passato sia ancora il terreno su cui far crescere il nuovo.

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FACCIAMOLO STRANO – IL PRODOTTO

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Il prodotto, l’azienda devono essere riconoscibili.
Farsi riconoscere non vuol dire solo stampare il proprio nome dappertutto o metterci la faccia sempre e ovunque.
Farsi riconoscere significa avere stile. Un modo unico di fare, di essere, di produrre e comunicare. 

Mettici il tuo colore, quello acido, pastello, naturale, metallico… un Pantone che usi solo tu.

Di che profumo sa la tua azienda?
Di terra? Di campi falciati?
Di petrolio o di frutta candita?

Qual è il suono, la musica che ti distingue? Pensa al “booong” di Brian Eno che risuonava all’accensione del primo iMac. Come suonano le tue cose?

Pay-off, slogan… cosa dice la tua azienda? Ma soprattutto come lo dice? Che sapore, che profumo, che suono hanno le tue parole? Dolci come una torta di mele, secche come un buon bianco, affilate come una spada, didascaliche, altisonanti, piatte, rotonde, acuminate come spine o morbide come cuscini.

I tuoi progetti, le tue forme come sono?
Linee diritte e parallele o spezzate piene di angoli acuti? Curve sexi? Morbide, infinite sinusoidali, modanature classiche, ridondanti composizioni barocche… frattali, ellissi, spirali… o semplici rettangoli smilzi?

Non è obbligatorio che i nostri prodotti siano bizzarri. Uno stile può essere riconoscibilissimo con un nonnulla… purchè sia un nonnulla che faccia pensare “Ah! Però!”.

Quante scelte tocca fare per decidere chi siamo davvero.
La fregatura è che non pensarci, lasciar perdere è solo un altro modo di scegliere. 

IL-DESIGN

IL DESIGN, CENT’ANNI DI SOLITUDINE

IL-DESIGN
In questi giorni si celebra l’anniversario della fondazione della BAUHAUS. La scuola di architettura, arte e design fondata a Dessau nel 1919 da Walter Gropius, trasferita a Berlino nel 1932 e chiusa definitivamente nel 1935 per le imposizioni discriminatorie del nazismo.
Con la BAUHAUS iniziava un modo nuovo di intendere il prodotto industriale, riconoscibile dall’unità d’intenti tra forme d’arte e sistemi produttivi.

Dopo cento anni la parola DESIGN è sulla bocca di tutti ma il suo significato si è annacquato sciogliendosi in mille accezioni nebulose.
Di certo, se è cresciuto il numero dei progettisti capaci di coniugare funzionalità e ricerca estetica nella consapevolezza del loro ruolo, desiderosi di offrire all’industria e agli acquirenti oggetti belli e costruiti bene, non si può dire che si sia diffusa in modo altrettanto convincente una cultura estetica moderna.

Tiriamo in ballo ad ogni piè sospinto il “less is more” di Mies Van der Rohe che dalla BAUHAUS portò in America e da lì nel mondo i principi del moderno, quelli che oggi mescoliamo con decorazioni e ricerche creative spesso molto sopra le righe.
Dal fashion design all’interior design è ormai lecito tutto in una fruizione di massa che per lo più ignora ogni riferimento, ogni ironia, in un consumo individuale senza regole se non quelle antitetiche del sorprendere e del rassicurare.

Sono passati cent’anni, cent’anni di solitudine per il design che si rivolge ancora e forse più di allora ad una ristretta élite culturale mentre il mercato offre mille cose diverse in un minestrone digeribile a tutti.

In un mercato così vario se offriamo prodotti di qualità dobbiamo affrontare il percorso arduo di informare, spiegare, acculturare e costruire un nostro pubblico che apprezzerà senza riserve il lavoro fatto perché lui possa farne parte.

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LA PERFEZIONE STUPIDA

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L’ho già detto tante volte, ma lo ripeto.

Cercare la perfezione nell’uso dei materiali naturali é un atteggiamento stupido due volte. É stupido perché ci costringe a mettere in atto lavorazioni difficili e costose per eliminare le presunte imperfezioni ed é ancora più stupido proprio perché ci fa cancellare quelle imperfezioni che sono l’essenza stessa di quei materiali.

La ricchezza di tutti i materiali naturali sta proprio nelle loro imperfezioni. Li rende unici e interessanti e ciascuno regala esperienze diverse.

Ogni pezzo di legno é diverso da un altro. Ogni sasso, ogni pietra é diversa dalle altre. Ogni filo di lana, ogni tessuto naturale ha caratteristiche diverse, ogni foglio di carta naturale ha una trama diversa. Tutte le terracotte e le ceramiche hanno mille piccoli segni che le differenziano dalle altre.

La stragrande maggioranza delle aziende lavora sodo e senza risparmio di capitali per cancellare le caratteristiche più pregevoli dei materiali che usa. Si cerca di lisciare, cancellare, stirare, decolorare… provando con mille difficoltà e risultati spesso controversi ad uniformare tutto.

Esaltiamo le imperfezioni dei nostri materiali naturali.
Descriviamo l’infinita varietà delle lavorazioni che effettuiamo per coglierne l’essenza. Facciamo capire al nostro pubblico come quelli che spesso considera difetti sono invece dettagli che arricchiscono ogni oggetto e lo trasformano in un pezzo unico.

Raccontiamo i dettagli, le  bellissime imperfezioni delle nostre creazioni.

Wow!-Meglio-un-asino-volante-che-un-cavallo-da-corsa!

Wow! Meglio un asino volante che un cavallo da corsa

Wow!-Meglio-un-asino-volante-che-un-cavallo-da-corsa!

Ci sono oggetti fantastici, elaborati grafici perfetti, sistemi espositivi che funzionano davvero e packaging che sembrano fatti apposta per contenere il loro prodotto. Eppure in pochi si accorgono di tanta perfezione. Forse sono così buoni proprio perché nessuno se ne accorge.
Non mi piacciono.
Amo le esagerazioni che si fanno notare. Mi piacciono quei difetti che fanno esclamare – Wow! Si vede che  dietro a questa cosa c’è un’idea… c’è un progetto… –
Ogni cosa esiste sempre su due piani.
Il primo è quello funzionale in cui si soddisfano tutte le richieste e il nostro prodotto assolve al suo compito. L’impaginato è coerente e leggibile, la vetrina mostra e il packaging contiene correttamente e protegge. Su questo primo piano avrò già infilato di sicuro anche cose che non hanno nulla di funzionale. Avrò scelto una forma anziché un’altra che avrebbe potuto funzionare ugualmente, deciso un colore o un font che mi piacevano più di altri, e così via in modo più o meno consapevole, facendo attenzione che tutto alla fine funzionasse.
Il secondo piano è quello delle emozioni, della comunicazione.
Ho sempre pensato che se si vuole comunicare un prodotto, raggiungere un pubblico, sarebbe meglio iniziare a pensarci subito. Creare oggetti che oltre a rispondere a tutti i requisiti funzionali richiesti sappiano attrarre l’attenzione ed emozionare. Oggetti che in qualche modo si vendano da soli o che comunque aiutino molto a farlo.
Per riuscirci spesso bisogna tornare sul piano funzionale e distruggere qualcosa di quella perfezione che ci soddisfaceva così tanto. Qualche volta occorre mandare in malora tutto. Ci sono invenzioni formali, idee, forme estetiche così emozionanti che portano a distruggere anche il progetto più curato, quello che ci aveva impegnati e ci aveva soddisfatto. Non importa. Non se ne accorgerà nessuno.
Davanti ad un oggetto, una forma, una qualsiasi cosa che emoziona non ci facciamo mai domande. Quando compriamo una cosa che ci piace davvero e ci emoziona facciamo passare in secondo piano tutte le nostre aspettative funzionali. Sappiamo già che con quella caffettiera non faremo mai il caffè ma la compriamo lo stesso, felici di tenerla come una scultura in libreria. Siamo certi che non ci siederemo mai su quella poltroncina che pure ci darà una strana emozione quando l’accarezzeremo con lo sguardo passando nell’ingresso di casa.
Gli acquisti più gratificanti sono sempre quelli che non servono a niente.
Oggetti inutili, che da soli salvano un brand, che da soli riescono ad occupare le pagine dei giornali e le stanze delle nostre case.
Meglio un asino volante che un cavallo da corsa!

ancora-sul-design-del-prodotto

ancora sul design del prodotto

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Quanti sono i verbi del design?
Quante parole bisogna usare per descrivere tutte le fasi di un progetto?
Passo quasi sempre almeno metá della mia infinita giornata disegnando oggetti che poi qualche azienda produrrá. Faccio product design da quando alla fine della quarta liceo mi hanno chiesto di disegnare le “catenine”, e dopo poco una bella cuccia per cani. Mi ricordo ancora che era una grande cuccia doppia, quasi un lavoro d’architettura.
Non mi é mai piaciuta la parola  “prodotto”.
Sono tavoli, sedie, mobili, lampade, piatti, borse, giocattoli, gioielli, bracciali, orecchini, anelli… Cucce per cani…
Non prodotti.
Quintali di scarabocchi su carte d’ogni genere… Curve, sempre le stesse, sempre diverse, angoli aguzzi che non vorrá mai nessuno. Giornate, settimane a ripetere la stessa forma in mille varianti diversissime che sembrano tutte uguali. Tagliare, accorciare, specchiare, ripetere, ripetere, ripetere… soprattutto ripetere e poi ruotare, allungare, schiacciare, scalare, ridurre, deformare, unire, moltiplicare, ordinare, allineare, disordinare, sparpagliare. Verificare che funzioni, che sia producibile in qualche modo senza spendere una follia. E ricominciare dalla stessa forma, cambiarla, buttarla via, inventarne una nuova, non dal nulla… C’è sempre un mondo di pezzi belli e brutti che le imprese hanno giá realizzato. Sarebbe stupido e presuntuoso non tenerne conto.
Guardare, prendere nota, catalogare, togliere, aggiungere… approfondire con il cliente le caratteristiche del mercato, ridisegnare ancora…
Solo raramente bastano tre righe e tutto prende forma…

Il-design-del-prodotto

IL DESIGN DEL PRODOTTO

Il-design-del-prodottoSi inizia a comunicare l’azienda a partire dal design del prodotto.

Le aziende più riconoscibili sono quelle che ci mostrano prodotti che si riconoscono al volo!
Con un prodotto fortemente identificabile é certamente piú facile vendere.
Ma come si progetta un prodotto riconoscibile?

Qualche idea:

1. Cerchiamo nuove tecnologie.
Modalitá che permettano di produrre oggetti piú innovativi, piú efficaci, spesso piú economici e piú belli.
Investire in ricerca é senza dubbio una delle attivitá che permette maggiormente  all’azienda di differenziare la sua produzione e di rendersi riconoscibile.

2. Usiamo nuovi materiali
Non è necessario inventare chissà che. A volte basta un abbinamento insolito, guardare a settori produttivi diversi.
Mutuare forme, colori e materiali da settori diversi dal proprio puó portare a soluzioni interessanti.

3. Ricicliamo
Prendere semilavorati e scarti sia dalla nostra che da altre produzioni. Quello che abbiamo sempre considerato solo uno scarto, solo un costo di smaltimento potrebbe essere al centro di una nuova brillante produzione.
L’uso di materiali riciclati, a metá strada tra ricerca tecnologica ed estetica introduce il concetto di valore “morale” nella produzione e nel design del prodotto. Materiali e forme create per soddisfare funzioni diversissime una volta riciclate trovano una nuova ragione d’essere.
Il design del riuso è sempre un’avventura creativa densa di contenuti da comunicare, moltiplica il valore dei materiali, delle forme e delle idee e normalmente consente di ottenere risultati fortemente innovativi.

4. Cambiamo colore
Il colore è una delle qualità che aiutano maggiormente a vendere un prodotto e a renderlo riconoscibile.
Cerchiamo il nostro colore. Quello che identifica il prodotto e l’azienda. Tenue, acceso… l’importante è che esca dal coro e si faccia ricordare. Nello scegliere il colore che ci rappresenta pensiamo a tutte le implicazioni che avrà.

5. Inventiamo forme nuove
La ricerca estetica della forma è l’essenza stessa del design.
Su questo terreno le invenzioni si sprecano, si accavallano e si sovrappongono in infiniti tentativi di innovazione. L’invenzione formale é però troppo spesso la modalitá piú semplice e  meno efficace di innovare, una scorciatoia affollata da imitazioni.
Certo l’intuizione in cui forma e sostanza si uniscono a creare una sorta di totem segna un momento creativo felicemente raro.

6.Lavoriamo con persone diverse
Spesso avvalersi di creativi con competenze anche molto diverse dalle proprie, provenienti da settori che ci sembrano lontanissimi dal nostro, può essere un’arma vincente per abbattere il muro dell’ovvietà!

7.Teniamo a bada la creatività
Non esageriamo a produrre invenzioni formali come se piovesse. Troppa creatività finisce per  annullarsi. Non soffochiamo una bella invenzione annegandola in un mare di collezioni diversissime. Evitiamo di proporre un campionario dall’effetto risotto!

8.Pensiamo alla confezione
Immaginare il packaging con cui commercializzeremo il nostro prodotto ci aiuterà, oltre a risolverci un sacco di problemi, a rendere gli oggetti della nostra produzione più originali.

9.Non copiamo a pappagallo
Saper copiare sta alla base di tutta la creatività. Pensare di essere davvero gli unici, i primi in assoluto ad aver avuto l’idea geniale è quasi sempre una presunzione infondata. Guardiamoci attorno ed impariamo a copiare quello che conta, il metodo, l’intuizione primigenia che magari nemmeno si vede nel prodotto che ci attrae e ci stupisce.
Copiare a pappagallo è stupido ancor prima che scorretto e illegale.
Se ci sono aziende che sono più brave nell’innovare la loro produzione proviamo a capire che percorso hanno fatto, e poi inventiamo un nostro processo creativo. E’ l’unico modo per dare identità alla propria impresa, per avere qualcosa da comunicare efficacemente.
È il modo migliore per vendere!

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DESIGN DA REGALARE

DESIGN-da-REGALAREAnche per il prossimo Natale propongo qualche idea regalo.
Oggetti di design che ho visto in giro, cose belle e divertenti per budget contenuti.

LAMA  –  forbici di Internoitaliano, design di Alessandro Stabile
Lame fatte di letteralmente di lame!  Belle!

JEWELLERY TREE  – di Menu – albero dei gioielli,  un portagioieilli a forma di albero dove poter riporre anelli, bracciali e collane.  Quando l’albero di Natale funziona tutto l’anno.

PINTABLE  –  di Menu il tavolino da giardino o da spiaggia, leggero e maneggevole.
Lo porti dove vuoi e lo pianti dove vuoi.

BLOW  ME UP –  le solite fantastiche invenzioni di  INGO MAURER.
La luce in barattolo da gonfiare e mettere dove si vuole!

RUBBER VASE  – di Menu , il vaso in silicone indistruttibile che sembra di ceramica.
Per chi non  vuole rompere.

Mi vien già voglia di regalarmeli tutti!

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VENDERE EMOZIONI

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Spiegare il design emozionale è semplice: se riesci a far innamorare di una cosa, di un’idea, di un marchio sarà molto più facile venderli.
Un’amica mi raccontava che aveva comprato il suo divano a forma di rosse turgide labbra perché diceva – …mi piaceva da impazzire! – E continuava raccontandomi come lo trovasse comodo, adattissimo sia per leggere che per guardare la tv che per dormirci. In realtà quel divano era soltanto una bellissima scultura, un’icona pop, un oggetto perfetto per dare un tocco di allegra personalità, ma in quanto a dormirci, vi lascio immaginare.
Il bello del design emozionale è proprio questo, se disegno un oggetto scomodo e privo di funzionalità immediatamente percepibili ma riesco a dargli un’anima, una forma di cui la gente si innamorerà, succederà che tutti quelli che avrò trafitto con la mia freccia di Designer (Cupido fa un altro lavoro) troveranno il mio oggetto utile, ergonomico, funzionale e alla fine davvero indispensabile.
Tanto per capirci qui di seguito una breve lista di oggetti “famosi” la cui funzione primaria è sicuramente quella estetico/emozionale:
– Poltrona Magritta
– Rose chair
– Pratone – cos’è?
– Ron Ron – pouf o animale domestico?
– Bocca – il divano di cui sopra…
Tanti altri se ne porebbero elencare.
Immaginatevi cosa potremmo ottenere caricando di attrazione emozionale un oggetto utile e funzionale, un marchio che rappresenti dei valori e delle qualità certamente riconoscibili.
Purtroppo il giochino di far innamorare il prossimo delle proprie idee e delle proprie creazioni non è semplice come a dirsi. Prima delle difficoltà tecniche, delle indubbie qualità necessarie, di tutti gli studi, le prove e le ricerche che ci permetteranno di inventare l’acqua calda o il sacro graal, prima di tutto questo, viene la capacità di saper rischiare. Per far innamorare bisogna saper innamorarsi, essere capaci di lasciare la riva per orizzonti sconosciuti. Si tratta di non aver paura di osare realizzare i sogni. Perché solo dei sogni ci si innamora e all’inizio, design emozionale o no, nessun sogno è in vendita.

Nell’immagine in alto Ron Ron 
Quando si aggiunge la coda ad un pouf fatto a palla pelosa si acquista un animale domestico!
(quasi tutti gli oggetti menzionati sono prodotti da Gufram)

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IL FILO ROSSO

Nella presentazione sul mio sito, ho raccontato le cose che mi piacciono.
Ho preso al volo quello che mi è venuto in mente.
Raccontare quello che piace mi sembra un buon metodo per far capire chi sono a chi pensa di lavorare con me. Credo si scelgano i collaboratori perchè un filo rosso ci unisce, per mille motivi spesso incomprensibili, il caso forse… però una certa affinità di gusti aiuta.

Facciamo un gioco: un materiale / un oggetto
Provate a farlo anche voi, magari capiterà di pensare alla stessa cosa.

Se penso VETRO mi vengono in mente le “Bolle” di Wirkkala per Venini, leggere, evanescenti come la nebbia.

Il MARMO per me è Nero o Bianco anche se il Rosa del Portogallo è bellissimo come il Verde Alpi. Mi viene in mente il bel blocco di Carrara bianco venato di grigio che sta alla base della lampada Arco disegnata da Achille Castiglioni per Flos.

Il LEGNO è uno dei materiali che amo di più. Mi ricorda i tavoli di Scarpa, Valmarana e Quatour, disegnati per Gavina.

I TESSUTI bellissimi si riconoscono al volo anche senza essere grandi intenditori. Amo tutte le cose di Renata Bonfanti, tappeti, arazzi, tovaglie… Quando penso a lei penso al suo laboratorio a Mussolente e me lo ricordo vetrato e immerso nel bosco anche se poi credo non sia proprio così.

L’ACCIAIO mi ricorda ancora Scarpa. La struttura e le viti del Doge, il tavolo dal top in cristallo. Poi l’acciaio per me è l’arco del monumento a Gaetano Marzotto a Valdagno, una delle cose fatte tanto tempo fa che mi piace ancora. L’acciaio era la fibra forte e l’esuberanza coinvolgente di Antonio Rancan che ha realizzato il mio disegno con le sue mani.

L’ALLUMINIO è un materiale splendido ma un po’ vanitoso e modaiolo, sarà per la sua leggerezza, per gli ambienti che frequenta, macchine di lusso, cucine eleganti… Non posso farci niente ma mi sono innamorato di JUICY SALIF di Philippe Starck appena l’ho visto e ho pena per chi pensa ancora che sia uno spremiagrumi come Alessi vorrebbe darci ad intendere.

Con la PLASTICA vivo un rapporto di amore/odio. Mi piacciono quasi tutti gli arredi in plastica (quante plastiche esistono!) disegnati tra gli anni ‘60 e ‘70 dai grandi designer italiani. Avevo una colonna dei componibili di Anna Castelli Ferrieri che oggi Kartell produce anche nelle versioni oro e argento.

ORO è stato il metallo della mia quotidianità per tanti anni, quello che mi ha visto nascere e crescere come designer. Ricordo tutti i gioielli che ho disegnato, soprattutto quelli che non hanno mai visto la produzione e sono rimasti sulla carta. Quello che ho amato di più è stato un anello di cui non ricordo più il nome, Onda forse. Una lastra curva d’oro giallo opaco che si contorceva come un nastro di Moebius impazzito. Creato vent’anni fa in NANIS, di questo anello e di tutta la parure ricordo le foto della donna bionda che lo indossava.

Ammetto di essermi lasciato prendere la mano, ogni materiale è stato il pretesto per un tuffo nei ricordi. E a voi questi materiali che oggetti hanno ricordato?

 

 

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DESIGN FEMMINILE e DESIGN MASCHILE

DESIGN-MASCHILE-E-FEMMINILETra poco è l’otto Marzo, la festa della donna e quindi anche delle designer, in vista di questa ricorrenza mi viene da chiedermi: esiste un design femminile e uno maschile?
È possibile distinguere facilmente le caratteristiche dell’uno e dell’altro?
Si attribuiscono in modo un po’ facilone al “design femminile” il calore, la morbidezza, la sinuosità delle linee curve, la giocosità, la ridondanza della decorazione. In contrapposizione si pensa al “design maschile” come a quello che propone oggetti spigolosi e freddi, dall’aspetto minimal, dalle superfici piatte e dai colori uniformi in cui la decorazione è bandita.
Ma è vero?!
Non lo so, credo convivano così tanto maschile e femminile in ciascuno di noi che penso sia difficile distinguere il genere della creatività.
Facciamo un esperimento, vi presento una sequenza di immagini, vediamo se riuscite a scoprire quanti uomini e quante donne stanno dietro a questi oggetti.

Qualcuno è troppo famoso, se sapete già chi l’ha disegnato passate oltre e giocate con quelli di cui non conoscete la provenienza.
Prendete nota se secondo voi l’ha disegnato un uomo o una donna e poi scorrete in fondo per vedere chi sono i progettisti.

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1 – WOOPY – Sinuosa poltrona in polietilene disegnata da Karim Rashid per B-Line.

2 – CUMANO – Tavolino pieghevole di Achille Castiglioni per Zanotta.

3 – FORMA – Grattugia scultorea creata da Zaha Hadid per Alessi.

4 – SENZAFINE – Collana in argento disegnata da Lella e Massimo Vignelli per San Lorenzo.

5 – MALLORCA – Ondeggiante servizio di piatti di Paola Navone per Crate and Barrel.

6 – ANNA G.Alessandro Mendini dedica il celebre cavatappi di Alessi ad Anna Gili stilizzando il volto della sua collaboratrice e musa ispiratrice.

7 – ZANT 03 – Poltroncina imbottita con struttura in frassino di Patricia Urquiola per Very Wood.

8 – IPANEMA with Philip Starck  – Sandali versatili dall’aspetto minimal disegnati come dice il nome da P.S. per Ipanema.

Quattro uomini, tre donne e una coppia di designer.
Sono curioso di scoprire quanti ne avete azzeccati!

 

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I COLORI AZIENDALI

i-colori-aziendaliLa scelta dei colori sono un momento importante del progetto di marca. Spesso è proprio attraverso l’uso di un colore o di una palette di colori che un marchio riesce a farsi riconoscere.

Scegliere il colore o il gruppo di colori, le tonalità che rappresenteranno la nostra azienda significa capire bene dove si vuole andare, chi è il nostro pubblico e come utilizzeremo quei colori in ogni momento della comunicazione a partire dal nostro logo e dal design del prodotto fino al packaging , alla grafica dei cataloghi e dei contenuti sul web.

Scegliere i nostri colori  significa esserne vincolati. Dovremo ponderare con attenzione tutte le implicazioni che questa scelta comporta per poter essere coerenti fino in fondo.

Quanto più stretto sarà il nostro campo d’azione, quanto più le regole saranno rigide e il progetto vincolante, tanto più sarà visibile e riconoscibile l’identità del nostro marchio e dei nostri prodotti.
Quante volte vedendo passare una Ferrari bianca o nera, siamo rimasti un po’ interdetti…  Perchè mai? Avremo pensato che una Ferrari dovrebbe essere solo color Rosso Ferrari.
La mia prima bici da corsa è stata la mitica Bianchi. Per fare l’originale l’ho voluta tutta nera rinunciando al classico verde acqua che da sempre individua le bici portate nella storia dalle imprese di Coppi.
Faceva un certo effetto vedere tanti ciclisti guardarmi male, quasi avessi oltraggiato il mito. Dopo qualche mese ero così pentito da volerla cambiare con una dagli originali colori pastello.
E così per tanti marchi famosi. Il rosso Valentino, Ferrari, Brembo e il bianco Apple, l’azzurro Tiffany e l’oro Dior, il verde Benetton, il blu di Facebook  e il giallo McDonald’s… e la lista sarebbe infinita.
Scegliere un colore è per sempre? Fino ad un certo punto. Il colore bisogna continuare a sceglierlo tutti i giorni nelle infinite attività in cui sarà determinate per l’immagine dell’azienda.

Toccherà fare attenzione quando sarà necessario introdurre l’eccezione che confermerà la regola e sarà necessario pensare a come utilizzare i colori aziendali nei nuovi prodotti.
I colori aziendali non si scelgono un giorno per sempre, ma sono il frutto di un progetto che si concretizza nel tempo e deve continuamente confrontarsi con le esigenze dell’azienda.

Poi gli originali con mille buone ragioni ci sono sempre.
Qualcuno diceva … “se dobbiamo presentare una nuova sedia, un nuovo vaso, un nuovo bracciale… un qualsiasi nuovo prodotto in fiera, meglio farlo rosso!”
E qualcun altro… “Cento franchi di più… ma che sia giallo!”

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LE FACCE DELL’INDUSTRIAL DESIGN

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L’industrial design non è un gioco creativo fine a se stesso.
Disegnare un oggetto per la produzione industriale ha spesso finalità molto diverse, tanto possono essere diversi gli obiettivi e le richieste dell’azienda che commissiona il progetto.
Non importa il settore, siano gioielli , pezzi d’arredo o oggetti d’uso, le motivazioni che inducono un’azienda a definire il progetto per creare un nuovo prodotto possono essere molto simili.

– Creare l’oggetto vetrina, quello che stupisce per lo sfoggio di invenzioni, per l’innovazione e la creatività. In questo caso non ci si pone grossi limiti di target. Capita di rado ma quando succede è festa grande. Altre volte bisogna contenere il prezzo finale del giochino e l’esercizio creativo diventa ancora più interessante.

– Disegnare una collezione, un multiplo, un insieme di oggetti che si inseriscano nel catalogo aziendale arricchendolo, offrendo al mercato innovazione, ricerca estetica e funzionale ad un prezzo interessante è il lavoro quotidiano dei designer. Un lavoro complesso e gratificante.

– Aggredire il mercato con un oggetto dal prezzo molto basso pur mantenendo contenuti estetici e funzionali accettabili è una delle richieste più presenti sul tavolo di un designer. Una delle strade più difficili da percorrere in ogni campo. Un’impresa che spesso sfida le leggi estetiche e quelle dei processi produttivi creando a volte oggetti sorprendenti.

In ogni caso, qualsiasi sia l’obiettivo finale, si deve partire sempre dall’azienda, dal suo catalogo, dalla sua storia.
Ogni nuovo prodotto deve ribadire l’identità aziendale.  È la tessera di un enorme mosaico di persone, sensazioni, emozioni, immagini, oggetti che compongono l’essenza dell’azienda.

Come ripeto sempre, faccio metà del lavoro, l’altra metà lo fa il committente.
Quando c’è intesa creiamo cose interessanti.

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HO FATTO UN SOGNO

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Ho fatto un sogno…
Stanotte ho sognato un tavolo… nero, bianco o di rovere chiaro
Come ali che si piegano in volo
sottile e solido
un tavolo fatto di sei lastre tenute insieme solo dal loro peso
un grande tavolo da pranzo quadrato… lungo… stretto…  o rotondo
un tavolo da poter riporre in soli 5 cm di spessore
Un tavolo pesante e un tavolo leggero
Era solo un sogno di lavoro.
Del resto c’è chi fa cene di lavoro, meeting e viaggi di lavoro.
Io ho solo disegnato un tavolo in un sogno di lavoro.
Non è che volessi per forza fare un tavolo da sogno
Ma era un sogno, solo un sogno

Mi sono svegliato, ho tirato tre righe, fatto due conti e quasi,
quasi va a finire che i sogni si realizzano
A qualcuno interessa realizzare un sogno?!

I sogni li realizzo con gli occhi ben aperti e in genere sono i vostri sogni.
Un tavolo di legno o d’acciaio, un flacone di plastica, gioielli da sogno…

L’immagine della tua azienda e i tuoi progetti di comunicazione
sono sogni da realizzare.

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PERSONALIZZARE IL PRODOTTO

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Mai avuta voglia di un tatuaggio?
Così tanto per personalizzare il bicipite o la caviglia. Quando ci abbiamo pensato, a prescindere dalla localizzazione, quello che più ci interessava era la sua unicità.
Un disegno che fosse solo nostro.
Magari il tatuaggio poi non l’abbiamo fatto ma riversiamo continuamente la nostra voglia di identità su tutto quello che compriamo. È una mania!
Una voglia di affermazione dell’ego che avevano anche le nostre nonne quando ricamavano baulate di corredo con le iniziali di famiglia. Adesso… altro che iniziali sulle camicie, che tra l’altro non sono mai passate di moda.

La tendenza alla personalizzazione investe tutto il product-design.

L’arredamento, soprattutto nel contract, è un tripudio di personalizzazioni ad hoc. Il logo e i colori dell’hotel o dell’azienda occhieggiano dalle cerniere delle ante, dalle corsie dei cassetti  per esplodere ovunque su letti, specchi, tavoli e poltrone direzionali. Borse, scarpe e accessori non sono certo da meno nell’offrirci tutte le possibili variabili tra cui scegliere come identificarci. Siano pezzi extralusso, fashion o sportivissimi non mancherà mai la possibilità di aggiungere quel quid che dirà a tutti la sua appartenenza. Certo la si potrà urlare come sui barattoli della Nutella, sulle sinuose forme delle Coca–Cola e sulle fasce colorate ai bordi delle nostre Nike o si potrà più discretamente solo accennare scegliendo un dettaglio seminascosto ma bisogna poter dire…
“Questo è mio!”

Biciclette, occhiali, computer, smartphone, tutto deve avere un nostro segno inequivocabile. Le cover dei telefonini stravolgono il lavoro di designer geniali con chili di glitter, colori fluo, e le immagini di introvabili manga giapponesi esibiti più dei gioiellini tecnologici che nascondono.

PERSONALIZZARE, PERSONALIZZARE, PERSONALIZZARE!!!
È un imperativo categorico.
Gioielli che si adattano agli stati d’animo e al look di chi li indossa. Incredibili creazioni da usare in tanti modi diversi. Oggetti che il cliente può comporre come crede rendendoli di fatto unici e assolutamente personali.

Ma è proprio vero che il cliente vuole sempre poter trasformare a sua immagine e somiglianza abiti, gioielli, mobili, scarpe da ginnastica e posate d’argento?!
Qualche volta val la pena riflettere sulla paura diffusa di dover essere creativi a tutti i costi e trovare il modo di rendere semplice al cliente l’affermazione della propria identità e dei proprio gusti.

Chiamami che ne discutiamo insieme.

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IMPERFEZIONI PLASTICHE

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Il fascino dell’imperfezione non è per tutti i materiali, c’è materia e materia.
Diamo per scontato che siano i materiali naturali come i legni, le pietre, i metalli e i tessuti a mostrare il loro lato più vitale nelle imperfezioni.
Certo i nodi del legno, le sue fessurazioni, le scalfiture e i cambi di colore dovuti all’uso e al tempo lo rendono ancora più piacevole e vivo. Un oggetto di legno racconta la sua storia e ha i segni dell’uso che se ne è fatto. Molto spesso è molto più bello vecchio che nuovo.
Le pietre sono migliaia di anni che raccontano la nostra voglia di bellezza. Sculture, cattedrali, gioielli col tempo e con l’uso diventano vivi. Portano i nostri segni addosso e noi possiamo andare a cercare il ricordo di chi siamo stati nelle crepe, nelle scheggiature, nelle superfici consumate.
Vi sono invece materiali di sintesi verso i quali spesso non sappiamo come porci, non sappiamo che valore dare ai segni e alle imperfezioni dovute alle lavorazioni, all’usura, al trascorrere del tempo.

Le plastiche sono ovviamente al centro di questa riflessione.
Per plastica intendo un mare di materiali anche molto diversi tra loro che gli esperti preferiscono catalogare come materiali polimerici.
Se ne avete voglia fatevi una gugglata e vi si aprirà un mondo!
A me interessa quanto siamo disposti ad accettare i segni dell’usura delle materie plastiche, le imperfezioni della loro costruzione.

Partiamo dal fatto che un prodotto realizzato, poniamo caso, con un processo di stampa rotazionale del polietilene, necessita spesso di una finitura artigianale per mostrare superfici “perfette”.
Quindi non è possibile raccogliere  tutti gli oggetti o gli arredi realizzati in plastica sotto lo stesso tetto.
Ci sono grandi idee realizzate su splendidi progetti, con grande cura e altre invece di nessun valore e davvero dozzinali.

Chiaramente soltanto le prime meritano di star qui a discutere delle loro imperfezioni…
Spesso sono oggetti così solidi che dureranno in eterno, di sicuro più di noi… e già questo ce li fa amare e odiare allo stesso tempo.
Sta passando adesso la prima generazione che lascerà in eredità a figli e nipoti poltroncine in polietilene e contenitori in ABS, di cui sono fatti per esempio i mattoncini Lego.
Credo che anche gli oggetti in plastica possano raccontare storie di traslochi e cambi di destinazione d’uso con i segni lasciati dal tempo e dall’incuria.

Non è possibile pensare che oggetti che fanno parte della nostra cultura, magari progettati da designer di fama internazionale come Joe Colombo, Achille Castiglioni o Gae Aulenti, siano da buttare via perchè macchie, abrasioni e striature ne hanno cambiato l’aspetto.
Vorrei capire, al di là del modernariato, oltre il valore storico di questi oggetti, che emozioni sono ancora in grado di suscitare i vecchi oggetti in plastica che abbiamo in casa.
Saremo tra i primi ad avere consapevolezza di questa mutazione generazionale.

Solo recentemente abbiamo tolto alla plastica il marchio infamante di simbolo del consumismo per scoprire la sua vocazione ecologica.
Ieri era uno dei materiali più inquinanti e oggi invece salva le foreste sostituendo il legno in molti usi.
Evviva la plastica!

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I TRASFORMISTI

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Tra i tanti modi di affrontare il progetto di un oggetto, di qualunque tipo, mi ha sempre divertito molto pormi nell’ottica di come si potrà trasformare. È un gioco a sorprendere… E a me piacciono molto le sorprese… almeno quelle belle!

Gioielli che si moltiplicano e racchiudono in sé due o tre gioielli diversi.
Sedute che si transformano, si allargano, si stringono e cambiano colore.
Lampade che cambiano forma e luce.
Tavoli che si aggregano e disintegrano, si allungano e si piegano.
Ecco qualcuno di questi oggetti intriganti, tanto per fare qualche esempio importante:

– CAMPODORO  il tavolo che si scompone e ricompone di Paolo Pallucco per De Padova.

– MULTICHAIR  la poltrona di B-LINE progettata da Joe Colombo. Un giocoso, splendido modo di cambiare punto di vista sul mondo!

– WINK –  la poltrona di Cassina disegnata da Toshiyuki Kita, chaise-longue e tutto quello che volete…sapendo che in realtà è un topo! Ma non ditelo a nessuno che ve l’ho detto.

 – TRASFORMISTI  Autentica magia! Collane, orecchini e tanti altri gioielli “trasformisti” inventati da NANIS (anche col mio piccolo contributo).

  UTO  I coni di Foscarini disegnati da Gerard Sanmartí e Gabriele Schiavon. Da appendere agli alberi o sopra il tavolo in cucina, oppure da lasciare a terra… magari raggruppate in un gran fascio. (ma le lampade sono tutte un po’ trasformiste… si accendono e spengono!)

I Trasformisti sollecitano la creatività, come giochi ci fanno tornare bambini.
Sono i veri protagonisti del DESIGN EMOZIONALE.

I TRASFORMISTI COMUNICANO!
Tutti gli oggetti che hanno questa vena ludica comunicano già da soli.
In vetrina attirano l’attenzione, stupiscono e si fanno ricordare. Forniscono mille spunti per presentarsi al pubblico sia nel punto vendita che su tutti i mezzi di informazione.

I TRASFORMISTI SONO IL REGALO PERFETTO… EMOZIONANO!

 

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IL VUOTO DA NON PERDERE

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Il vuoto, lo spazio dilatato, è segno di importanza!

Sto impaginando un giornale aziendale. Ho scelto un formato quadrato, grande, da piegare in quattro. Non è la prima volta che uso questo formato ma adesso voglio lasciare vuoto almeno metá dello spazio che ho a disposizione in modo che le immagini e i testi occupino le pagine come personaggi su di un palcoscenico.

Tante pagine, quattro volte più grandi di un A4, e un sacco di spazio.

Un paragrafo viene evidenziato dalle righe vuote che lo incorniciano, la pagina bianca mette in risalto l’inizio di un nuovo capitolo. Più grande è il vuoto più i segni grafici sono forti e pieni pathos. Una foto isolata a cui giustapporre un blocco di testo giustificato a sinistra e nient’altro.

Lo spazio vuoto dà importanza a tutto.
ECCO DIECI VUOTI DA NON PERDERE:

– IL VUOTO IN VETRINA
L’esposizione in qualsiasi ambiente e per soddisfare qualsiasi richiesta necessita di superfici omogenee, di spazi dilatati, di oggetti isolati.

– IL VUOTO NEL DEPLIANT
La grafica del nostro depliant deve avere spazi vuoti, pagine bianche, grandi immagini isolate.
Ciò che mostriamo e vogliamo comunicare è importante e merita di non soffocare.

– IL VUOTO NELLE IMMAGINI
I nostri prodotti e la nostra azienda devono avere tutto lo spazio che meritano nelle immagini con cui comunichiamo. Scegliamo sfondi omogenei ed evitiamo come la peste i sovraffollamenti.

– IL VUOTO DA ABITARE
Se ne abbiamo la possibilità scandiamo con vuoti gli spazi che abitiamo, la casa e i luoghi del lavoro.

– IL VUOTO COME SILENZIO
Il silenzio è il vuoto per eccellenza, infatti nel vuoto non si propaga nessun rumore.
Togliamo le musiche di sottofondo che non hanno motivo d’essere e immaginiamo la forza del silenzio.

– IL VUOTO DELLA FORMA
Disegnare un oggetto significa trovare un equilibrio di forme. Tutto ciò è assenza più che moltiplicazioni di segni.
Isoliamo la curva sinuosa che abbiamo disegnato per lo schienale della sedia, per il manico del bricco o per l’elemento clou della nostra ultima collezione di gioielli.

– IL VUOTO COME ESSENZA
Il nostro logo dovrà parlare di noi alla prima occhiata.
Liberiamolo da tutto ciò che non serve.

– IL VUOTO COME ASSENZA
L’assenza di sovrastrutture, di coperture, di mascherature… il vuoto come assenza del superfluo.

– IL VUOTO NEL WEB
Abbiamo paura che la home page del nostro sito sia troppo vuota?
Proviamo invece a pensarla quasi vuota davvero.
In mezzo al surplus di immagini e parole che inondano tutti forse sarebbe più visibile e utile.

– IL VUOTO COME BUIO
Un negozio buio? Emozionante e difficile!
Il buio dovrebbe essere usato così come dovremmo usare la luce. Con attenzione e consapevolezza.

Il buio, la luce, il vuoto e il pieno, la rarefazione e l’affollamento, il silenzio e il rumore o la musica… sono tutti elementi indispensabili per progettare gli spazi e gli oggetti e per presentare e comunicare le idee e i prodotti.
Dobbiamo ricordarci di usarli e imparare a calibrarli.

ATTENZIONE!
Prima di fare il silenzio e il vuoto, prima di creare spazio intorno a qualcosa, assicuriamoci che quella sia esattamente la cosa che vogliamo comunicare e far vedere. Accertiamoci che meriti davvero tutta questa attenzione e vestiamola come si deve.

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Le forme del cibo

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Mi è capitato in mano un articolo sulle ragioni delle forme del cibo.
Testo colto che prendeva spunto dalla storia della cucina.

Mi ha fatto sorridere pensando a una lezione ad Architettura tanto tempo fa. Mentre si parlava di packaging, di pomodori geneticamente modificati per crescere già di forma cubica, belli facili da impilare, il mio amico e compagno di corso Gio dal fondo dell’aula aveva interrotto la lezione dicendo che la stessa cosa si stava provando a fare con le galline… per le uova.
Attimo di titubanza dell’insegnante… e risata generale con relativo “vaffa” del prof all’indirizzo dello spiritosone là in fondo.

In tempi in cui il pubblico si orienta verso cibi bio e le imperfezioni che ci regala la natura sono ben viste come testimoni di qualità, c’è tutto un mondo che ruota intorno all’invenzione di nuove forme di cibi, di piatti, di strumenti per cucinare e alle immagini con cui comunicare tutto questo.
Se perfino la matematica e i frattali ci chiariscono la  forma del broccolo che abbiamo nel piatto non sembrerà strano che le aziende più interessate al social marketing, al design, al packaging e a comunicare le loro nuove leccornie siano proprio quelle della produzione di alimenti.

Va da sé che schiere di fotografi, architetti, designer, art e copy si sono gettati su questo immenso mercato.
Da Giugiaro che per primo fa il restyling ai maccaroni perché prendano meglio il sugo, ai packaging avveniristici di uova, latte, burro e affini. Immagini tanto patinate da intimidire anche Kate Moss che non riesce a mettere in ombra nemmeno la mozzarella.

Cibo da disegnare, fotografare, impacchettare, comunicare e perfino cibo da indossare.
In questa torrida estate da ghiaccioli strani dopo la mostra “La forma del gusto” al MART di Rovereto due anni fa si è appena chiusa “Gioielli in tavola” nel neonato Museo del gioiello in Basilica Palladiana a Vicenza. 
L’evento curato da Livia Tenuta e Viola Chiara Vecchi ha messo in mostra gioielli di ogni foggia legati al tema del cibo e della tavola. Gli spaghetti in resina di Gaetano Pesce, i blob ring e le Chocolate boule di Barbara Uderzo e tante altre immaginifiche chicche hanno riproposto il cibo e la cucina come splendidi giochi simbolici.

Ci risentiamo presto per parlare di design, packaging e scrittura…
Non solo riguardante il cibo.

Nel frattempo se vi piace potete leggere anche:
FOOD PACKAGING – STORIE DI GUSTO

 

Nell’immagine “posate d’artista” di Bruno Munari

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DESIGN E COMUNICAZIONE

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Design e comunicazione dovrebbero andare a braccetto!

Sembrerà lapalissiano ma è molto più facile comunicare un oggetto con un progetto interessante alle spalle, ricco di contenuti,  magari sviluppato pensando che poi quel affare lì dovrà essere descritto, fotografato… che parlare, scrivere, fotografare, filmare un oggetto buttato là, nato da un progetto raffazzonato senza alcuna consapevolezza che poi dovrà essere comunicato.

Meglio progettare pensando già a dare visibilità ai punti forti del progetto. Va da sé che quello che stiamo progettando dovrà avere elementi di forte differenziazione, qualità evidenti, caratteristiche importanti su cui lavorare con la consapevolezza che quelli saranno i temi che useremo per dare risalto al nostro oggetto disegnandone il packaging, gli espositori, scrivendone, fotografandolo e descrivendolo in tutte le occasioni e su tutti i mezzi di comunicazione.

La funzionalità e l’ergonomia saranno importanti, ma dovranno balzare agli occhi. Il colore e la forma saranno gli elementi che la fotografia potrà usare con maggiore efficacia se avranno elementi di originalità evidenti. I materiali, i processi produttivi, il ciclo vitale dell’oggetto con le sue caratteristiche di sostenibilità, la sua utilità o forse la sua “inutile” bellezza… sono solo alcuni degli infiniti elementi che possono trasformare un oggetto in un vero e proprio mezzo di comunicazione per sorreggere la propria capacità di vendita e il successo dell’azienda che l’ha prodotto.

Perché tutto ciò avvenga occorre una scintilla, un’idea che caratterizzi l’oggetto in questione, che lo renda quanto più possibile unico nel panorama del suo mercato.

Qualche esempio in cui design e comunicazione hanno formato una accoppiata vincente?

SACCO, la poltrona di Zanotta disegnata da Gatti, Paolini e Teodoro nel 1968, un oggetto diventato protagonista di film e romanzi. Un’idea, un progetto così ricco di contenuti da continuare a produrre significati diversi in tutti questi quarant’anni.

La lampada ARCO, disegnata da Achille e Piergiacomo Castiglioni per Flos nel 1962, mette insieme materiali lussuosi, una forma elegantissima e soluzioni funzionali di dettaglio perfette. Un progetto rivolto ad  illuminare con poetica precisione. Certo!  Ma soprattutto “illuminato” dall’idea geniale di eliminare il vincolo dell’ ancoraggio al soffitto, tradizionalmente al centro della stanza, con la possibilità di spostare la lampada liberamente.
ARCO è ancora un punto di riferimento per il mercato dell’illuminazione.

Potremmo scriverne una lista infinita di oggetti, più o meno belli, più o meno funzionali e utili, tutti con quel quid che li ha trasformati in totem comunicanti. Oggetti che spesso hanno dato vita a un vortice creativo di continui rimandi tra design e comunicazione col risultato di moltiplicarsi in nuovi oggetti e nuovi messaggi.

Visto che viviamo in un mondo superaffollato di parole scritte, parlate, urlate, fotografie e immagini in movimento, riviste, libri, film, e il mare magnum dei Social Network che come una spugna assorbe tutto e lo moltiplica all’infinito, dovremo provare a dotare i prodotti che vogliamo vendere di una personalità che si possa comunicare senza dover ricorrere alla solita aria fritta!  

Pensiamoci mentre progettiamo.
Il primo strumento di comunicazione di un’azienda sono i suoi prodotti.